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Ephraim Rubenstein: Ruines dans les médias mixtes

Ephraim Rubenstein: Ruines dans les médias mixtes


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Cet article sur Ephraim Rubenstein, écrit par Judith Fairly, a été publié pour la première fois dans le numéro d'août / août 2012 deMagazine.

Ayant grandi à New York, Ephraim Rubenstein a ressenti le pouvoir de l'art de transcender le temps et le lieu à un âge précoce. Enfant, vivant dans un milieu urbain bruyant et surpeuplé, il a trouvé un refuge parmi les galeries tranquilles du Brooklyn Museum. «Le fait qu'une peinture puisse créer une réalité alternative m'a vraiment touché immédiatement», dit-il. Rubenstein a appris à dessiner et à peindre auprès de son grand-père, Edward H. Freedman, un artiste commercial et illustrateur, et a poursuivi ses études d'art à l'Art Students League de New York et à la Columbia University, où il a obtenu son diplôme de premier cycle en histoire de l'art et un maîtrise en beaux-arts en peinture avant de se lancer dans une carrière d'artiste et de professeur.

Ephriam Rubenstein a enseigné à l'Université de Richmond, à la Rhode Island School of Design et au Maryland Institute College of Art. «J'enseigne à mes élèves l'importance des compétences de base et d'une connaissance approfondie de leur matériel», dit-il. «Lorsque les élèves me demandent:« Quand serai-je prêt pour de meilleurs matériaux? », Je leur dis:« Quand vous pourrez faire la différence entre eux ».» Rubenstein encourage également ses élèves à maîtriser autant de techniques que possible. «S'il est impératif qu'ils se sentent profondément dans les choses, leurs sentiments ne peuvent pas être communiqués sans langage; s'ils ne connaissent pas la gamme, les forces et les faiblesses de chaque média, ils ne peuvent pas exploiter son potentiel d'expression. »

Travailler en série

Ephraim Rubenstein a tendance à travailler en série, qu'il s'agisse d'un cycle de peintures inspirées de bâtiments abandonnés dans la Virginie rurale, de paysages italiens ensoleillés, de paysages urbains ou d'une variété de natures mortes, de dessins, d'intérieurs de type Vermeer ou de paysages fluviaux inspirés des poèmes de Rainer Maria Rilke. Il crée parfois plus que sur un travail basé sur la même composition (voir «Variations sur un thème» d'Ephraim Rubenstein, ci-dessous).

«À un certain niveau, peindre tous les sujets est le même», explique Ephraim Rubenstein. «Nous ne peignons pas avec du tissu, de la chair, des arbres ou de la pierre; nous peignons avec des formes de peinture colorée sur une surface plane, et si nous le faisons bien, cela ressemblera à un morceau de draperie ou à une figure ou à un paysage ou à un bâtiment. Je suis surtout intéressé par ce que j'ai à dire, émotionnellement. S'il faut un chiffre pour le dire ou une berge brumeuse ou un temple dorique en ruine, tant pis. Jamie Wyeth a dit que même une balle de foin peut être un autoportrait si elle est peinte avec de la sensation. »

VARIATIONS SUR UN THÈME par Ephraim Rubenstein

Tout comme un graveur qui encre la plaque différemment pour les épreuves suivantes, dans certains cas, par exemple Cathédrale V (UNE) et Cathédrale VI (B) (deux techniques mixtes, 50 × 38) —J'ai pris le même dessin de base et l'ai développé de deux manières différentes. Dessin UNE est d'un jour plus clair et plus clair, et j'ai souligné les formes sculpturales des gargouilles. Dans B, J'ai essayé d'évoquer un jour de pluie en gardant toutes les formes plus douces et plus humides, ce qui rend la fonction des gargouilles comme becs de drainage plus évidente. La «cartographie» et les premières étapes de fartage étaient identiques pour les deux dessins. Mais pour UNE, J'ai laissé l'encre éclabousser sur du papier sec afin que les éclaboussures et les gouttes maintiennent leurs formes dynamiques. Puis pour B, J'ai gardé le papier mouillé pour que l'encre se dissolve dans un aspect humide sur humide plus traditionnel. Pendant que j'y travaillais, je suis allé dans un magasin de fournitures d'art et j'ai demandé à acheter tout ce qui ferait une marque noire. Je voulais trouver un instrument qui puisse atténuer le noir le plus sombre et le plus velouté. Ce matériau s'est avéré être un bâton Nupastel noir.

Résister à la cire, mélanger les médias

Dans sa nouvelle série, Temples et cathédrales, Ephraim Rubenstein emploie près d'une douzaine de matériaux pour construire des portraits dramatiques mixtes des vestiges d'empires perdus et des exploits majestueux de l'architecture. "L'attrait émotionnel du sujet dicte le médium", explique Rubenstein. La technique du wax-resist lui permet d'unir le sujet classique avec les propriétés abstraites et incontrôlables du médium, résultant en un rendu clair-obscur dynamique qui investit les structures monumentales dans le mouvement et la profondeur.

Les techniques humides et sèches collaborent à la création d'œuvres multicouches à grande échelle qui franchissent la frontière entre le dessin et la peinture. En commençant par des feuilles de papier Lenox 100 (similaire au papier utilisé pour la gravure), Ephraim Rubenstein accumule des couches composées de graphite, de cire, d'encre, de charbon de vigne, de charbon de bois comprimé, d'Alphacolor Char-Kole, de crayon Conté noir, de Nupastel noir et de pastel noir qui produire une surface tactile et veloutée.

L'approche résistante à la cire joue les zones de lumière, où le papier est glacé avec de la cire, contre un large éventail d'espaces tonaux plus sombres. «Je ne suis pas sûr que j'aurais pu maîtriser la technique de la cire sans mon expérience dans la gravure», explique Rubenstein. «L'élaboration d'une plaque en creux m'a appris à penser à des étapes spécifiques, à planifier à l'avance et à ne pas avancer avant d'avoir fait ce que je dois faire à chaque étape.»

Approche complexe d'Ephraim Rubenstein

Étant donné que les dessins sont constitués de huit à dix étapes distinctes, la cire-resist est une méthode qui ne peut pas être appliquée à première vue. Ephraim Rubenstein bascule entre son chevalet et le sol, où il pose le papier pour faire les lavages (voir «My Studio Setup» d'Ephraim Rubenstein, ci-dessous). Certains dessins peuvent être finis en une journée; d'autres prennent plusieurs semaines.

La complexité de cette approche (et la taille encombrante du papier) nécessite que les dessins soient réalisés en studio plutôt que sur place, et il s'appuie sur des photographies de référence, telles que celles qu'il a prises par centaines, des temples de Paestum et Pompéi. «Si vous avez passé votre vie à peindre devant votre sujet, vous savez à quoi ressemble la nature et vous apprenez à utiliser la photographie et à compenser ses carences», dit-il. "Si vous ne l'avez pas fait, vous devenez esclave de la photo et vous avez des ennuis."

MY STUDIO SETUP par Ephraim Rubenstein

Voici le dessin après la première ou la deuxième étape de cire. Je fais les parties sèches du processus - dessin, application de la cire et ainsi de suite - avec la surface droite sur le chevalet. Je fais les parties humides - l'encre se lave - avec la planche à plat sur le sol. De cette façon, je ne m'inquiète pas que la gravité tire tous mes lavages dans une direction, et je peux me déplacer librement dans l'image, l'attaquant de tous les côtés.J'ai tout ce dont j'ai besoin à portée de main sur mon taboret car cela ne prend que quelques secondes pour qu'une valeur sèche et ne soit plus réglable. J'essaie de faire autant de travail que je peux debout; rappelez-vous, ce sont de grands dessins expressifs qui sont destinés à être lus à distance. J'ai constamment besoin de m'éloigner d'eux juste pour voir ce que j'ai fait. Comme vous pouvez le voir, j'utilise des clips pour maintenir le dessin sur la planche; Je ne colle pas le papier.

Techniques de perfectionnement

Il a fallu à Ephraim Rubenstein près de 10 ans avant de se sentir comme s'il avait atteint un certain niveau de maîtrise de la technique de la cire. Un ami, David Dodge Lewis, professeur de beaux-arts au Hampden-Sydney College en Virginie, lui a présenté la méthode il y a plus de 20 ans. «Le travail de Lewis, parmi les plus puissants et les plus engageants que vous ayez jamais vus, m'a poussé à tirer le plus d'intensité émotionnelle possible de mon sujet», explique Rubenstein.

Il avait auparavant passé une autre décennie à faire des estampes - gravures, pointes sèches et quelques lithographies - et il travaille également dans l'huile, le pastel, la gouache et une variété de techniques mixtes. «Tous ces processus m'ont appris quelque chose, ont ajouté une certaine dimension à mon travail», dit-il. «Beaucoup d'artistes que je connais ont cessé de dessiner une fois sortis de l'école d'art. Ils se préoccupent des projets de peinture et les dessins ne se vendent pas. Mais je pense que c'est regrettable. Outre les plaisirs évidents des matériaux, le dessin vous permet de rester honnête et de garder votre pensée et votre coordination œil-main affûtées. »

Il y a de nombreuses années, Ephraim Rubenstein a assisté à une exposition au musée de Boston des œuvres de Camille Pissarro qui a eu un effet profond sur sa façon de penser la couleur. «Cela m'a fait réaliser à quel point toutes mes peintures étaient brunes et que je devais commencer à explorer les relations chaleureuses / fraîches plutôt que les relations de valeur.» Bien que les dessins n'attirent pas un public aussi large que les peintures, Rubenstein dit qu'il veut revenir au «pouvoir de base» du noir et blanc. Dans cette série, il explore les nuances chaudes et fraîches du noir (et du blanc); tandis que certains matériaux ostensiblement noirs tendent vers les tons bruns plus chauds, d'autres virent vers les bleus plus froids.

Expression holistique

Ephraim Rubenstein est actuellement membre de la faculté de l'Art Students League de New York et de la National Academy of Design School; il enseigne également le dessin de la vie à des étudiants en médecine du programme de médecine narrative de l'Université Columbia. La classe fait partie d'un programme innovant qui aide l'étudiant «à voir le patient d'une manière holistique plutôt que comme une somme de parties séparées, pour humaniser la médecine», dit-il.

«Au cours de ma carrière, j'ai fait des allers-retours entre deux pôles: parfois le dessin et la peinture dans un style linéaire et plus serré avec un degré de finition plus élevé, devenant parfois plus lâche et plus pictural, mettant l'accent sur les matériaux et le langage de la peinture plus expressivement », explique Rubenstein. «Même si vous avez votre technique sous votre ceinture à un âge précoce, la technique ne vous permet que jusqu'à présent. Lutter avec le concept initial d'une peinture constitue le plus grand défi pour moi », explique Rubenstein. "Il y a toujours un écart entre la profondeur de vos sentiments et ce qui ressort sur le papier."

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Commentaires:

  1. Darroll

    Je regrette de ne pas pouvoir vous aider. Je crois que vous trouverez la bonne décision ici.

  2. Ollaneg

    Belle question

  3. Leathlobhair

    Oui, tout peut être

  4. Tezcacoatl

    J'espère que vous trouverez la bonne décision. Ne désespérez pas.



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